James Butera hat nie etwas im Bereich Audio studiert. Stattdessen hat er sich seinen eigenen Lehrplan zusammengestellt, der Tage und Nächte hinter jeder nur erdenklichen Konsole umfasste. Heute schätzen Musikdirektor*innen, Künstler*innen und Tourmanager*innen die Atmosphäre, Souveränität und Zuverlässigkeit, die er zu Arenatourneen, Festivals und Konzerten mitbringt. Produktionsleiter*innen hingegen haben möglicherweise ganz andere Eindrücke von der Zusammenarbeit mit ihm – aber dazu später mehr.
James lacht, wenn er auf seinen Karriereweg zurückblickt: „Es gibt keinen Lehrplan und kein Zwei-Stufen-Programm für diese Branche, und es macht wirklich Spaß, all die Verbindungen zu sehen, die wir alle miteinander haben. In unserer Branche geht es so sehr um die Beziehungen, die man aufbaut, um Vertrauen und noch mehr: um seltsame Zufälle und Timing, die man eigentlich nicht planen kann.“
Der Übungsplatz: Zu spät zum Mittagessen
Der erste Zufall ereignete sich, als James in der Mittelschule war und in Texas in der Kapelle seiner Privatschule Schlagzeug spielte. An einem Freitag kam einer der Tontechniker zu spät und er wurde gebeten, einige Mikrofone zu bringen. Dann sah er ein altes Yamaha-Mischpult. „Als ich es sah, dachte ich: Das ist viel spannender als ein Schlagzeug. Es begann alles damit, dass jemand zu spät zum Mittagessen kam und ich die Mikrofone holen sollte, ehrlich gesagt.“
Schaffen Sie sich einen Übungsplatz
James unterstreicht die entscheidende Rolle, die das Aufwachsen mit dem Mischen sonntags in der Kirche gespielt hat: „Wie ich kritisch zuhöre und einen Mix entwickle, habe ich wirklich durch meine Vollzeitbeschäftigung in der Kirche nach der Highschool gelernt. Ich meine, wir waren tatsächlich einer der ersten Besitzer einer DigiDesign D-Show, Seriennummer 187, Revision A. Also nahm ich sonntags auf und verbrachte dann montags, dienstags und mittwochs ein paar Stunden damit, virtuelle Soundchecks durchzuführen und einen Mischprozess zu entwickeln. Aber ich hatte auch die Freiheit, Plugins zu testen, verschiedene Audio-Routing-Schemata auszuprobieren und einmal pro Woche das Zeitalignment der PA zu üben. Alles zurücksetzen und dann neu machen. Ich glaube, das gab mir wirklich die Freiheit, mich hinter dem Mischpult zu entwickeln, ohne dass mir Musikdirektor*innen oder Künstlermanager*innen über die Schulter schauten und bereit waren, mich zu feuern.“
Nach der Schule begann James, für lokale Anbieter und Verleihfirmen zu arbeiten. „Das hat mich als Audio-Systemingenieur weitergebracht: PA-Anlagen aufbauen, auf Tour gehen, Dinge testen. Meine Zeit bei den Gottesdiensten der Schule und meine freiberufliche Tätigkeit für lokale Unternehmen haben mich insgesamt zu dem gemacht, was ich heute als Tontechniker bin.“
Der Pionier Robert Scovill
Außerdem las James schon früh jedes Magazin über Live-Sound und FOH, das er finden konnte. Um 2005, in den Anfängen der Internetforen, tauchte Robert Scovill auf:
„Er ist wahrscheinlich der größte Lehrer, den unsere Branche je hatte. Er war der Erste, der wirklich Pionierarbeit im Bereich von Webinaren und Online-Videos geleistet hat, in denen er nicht nur darüber sprach, sondern auch seine Vorgehensweise zeigte und man hören konnte, was er tat.“ Und dann? „Alles, was ich las oder sah oder worüber ich sogar nur hörte, war wie: OK, Montagmorgen kommt ... probieren wir es aus und setzen wir es in die Praxis um.“
Das Mischen bei lokalen Festivals und für die Bands von Freund*innen in der Stadt war der perfekte Spielplatz: „Lass mich eine Show-Datei erstellen und einige dieser Techniken oder Mikrofonierungsansätze ausprobieren. Das war so wertvoll, und ich bin so dankbar für diese Zeit, weil ich dadurch Dinge ausprobieren und Fehler machen konnte.“
Zwei wichtige Erkenntnisse
Auf die Frage nach dem Wertvollsten aus diesen frühen Jahren hebt James zwei wesentliche Elemente hervor. Erstens: „Was das Selbststudium und den Mixing-Prozess angeht, kann man heutzutage vieles davon zu Hause, alleine und autodidaktisch lernen. Da sich Live-Sound und Mischpulte stark weiterentwickelt haben, kann man viele der Tools, die man zu Hause oder im Studio verwendet, auch in Live-Situationen einsetzen, egal ob es sich um analoge Hardware oder Plugins handelt. Mehrere Gruppen erstellen und diese in eine Bandgruppe einbinden? Das alles kann man in einer DAW seiner Wahl machen. Klingt das dann genau so wie die Summierung über ein Live-Mischpult? Nein, natürlich nicht. Aber der Prozess und die Struktur vermitteln einem die gleichen Grundlagen und Basisarbeiten.“
Nicht cool, nicht auffällig, nicht sexy: Wiederholungen in nicht so tollen Situationen
Zweitens: „Egal, in welcher Stadt Sie sich befinden, suchen Sie sich eine lokale Audiofirma. Die Systemseite des Live-Sounds ist enorm wichtig und wird oft vernachlässigt, weil sie nicht so auffällig ist wie andere Bereiche. Wenn Sie nicht auf einem bestimmten Niveau sind, haben Sie keinen Systemingenieur an Ihrer Seite, der Ihnen unter die Arme greift, sich um das System kümmert, es dort aufbaut, wo es gebraucht wird, und es Ihnen dann übergibt, damit Sie nur noch die Regler bedienen müssen.“
Er hat viele Techniker gesehen, die damit zu kämpfen hatten: „Was aus ihrem Mischpult kommt, klingt großartig, aber wenn sie einen Veranstaltungsort oder ein Festival betreten, haben sie keinerlei Kenntnisse über die PA. Sie haben keine Ahnung, wie Sie mit einem großen Soundsystem umgehen, die Zeitausrichtung überprüfen und dann das System so spektral und in der Lautstärke einstellen sollen, dass die Ausgabe Ihres Mischpults umgesetzt wird.“
„Das ist eine Fähigkeit, die man bis zu einem gewissen Grad vermitteln kann, aber man braucht Zeit dafür. Man kann alle L-Acoustics-, d&b- oder Adamson-Kurse besuchen, die man will, aber letztendlich gibt es Dinge, die man in der Praxis tun kann, die laut Prognosesoftware nicht möglich oder nicht empfehlenswert sind. Nur jahrelange Erfahrung mit dem Einsatz einer PA oder dem Mischen in jeder möglichen Umgebung lehrt einen, dass man es kann.“
„Man muss sich die Erfahrung aneignen, egal ob es um das Mischen, den Umgang mit Soundsystemen oder die Systemoptimierung geht. Irgendwann muss man den Sprung vom Klassenzimmer ins echte Leben schaffen. Man braucht Erfahrung in schwierigen Situationen: zu wenig Zeit, strömender Regen, zu wenige Boxen, zu wenig Rechenleistung. .Man kommt an und nichts ist richtig. .Oder die Hälfte der Sachen fehlt.“
Auch hier hilft die Zusammenarbeit mit einem lokalen Anbieter: „Dort hat man die Möglichkeit, sich hinter die meisten Mischpulte zu setzen. Selbst dieselben Marken können unterschiedliche Layouts haben. Trainieren Sie Ihr Muskelgedächtnis. Das hilft, wenn die Lichter ausgehen und Panik und Chaos ausbrechen. Das ist weder cool noch sexy. Aber Sie werden derjenige sein, der im Dunkeln weiß, wonach er greift.“
Finden Sie Ihre klangliche Stimme: Kopieren Sie nicht einfach. Werden Sie Ihr eigenes Original
Ein weiteres entscheidendes Element für James ist es, seinen persönlichen Stil zu finden: nicht kopieren, sondern original werden. „Finden Sie Ihre klangliche Stimme. Definieren Sie, wer Sie als Mixer sind. Wir haben wahrscheinlich alle schon eine Menge Equipment ausprobiert. Wer mich kennt, weiß, dass ich mir mein gesamtes Outboard-Equipment selbst kaufe und ständig neue Dinge ausprobiere. Vielleicht lesen Sie einen Artikel oder sehen ein Video und denken: „Ich werde alles mieten oder kaufen, was diese Person verwendet. Aber das funktioniert vielleicht nicht für Sie, Ihre Situation oder Ihre Art, Klang wahrzunehmen.“
„Ich habe so viele Outboard-Geräte getestet und gemietet. Ein Freund empfiehlt mir vielleicht etwas, das er liebt, aber ich kann es nicht ausstehen. Mein Workflow und mein Mischpult-Routing funktionieren vielleicht nicht damit, oder ich brauche die Funktionen einfach nicht. Und dann geht es weiter.“ Andererseits: „Ich erinnere mich, dass ich einen Artikel von Toby Francis über externes Summieren gelesen habe, also habe ich mir ein paar Geräte besorgt und angefangen, sie zu testen und damit zu mischen, um zu sehen, ob sie meinen Workflow ergänzen.“
Diese professionelle Gewohnheit, sobald man engagiert wird
James unterstreicht auch eine typische professionelle Gewohnheit: „Wenn man engagiert wird, sollte man alle Songs und Alben herunterladen, die man finden kann, und sie auf Shuffle stellen. So entwickelt man ein Gespür für den Künstler, seine Klanglandschaft und seine Stimmung. Vocal-Bearbeitungen, Effekte, wie der Bass sitzt. Man lernt ihren klanglichen Fingerabdruck kennen.“ Außerdem kontaktiert er frühzeitig den Musikdirektor: „Ich bitte um eine Art Spickzettel mit BPMs, Song-Tonarten, Notizen zu Soli oder besonderen Parts, LTC-Offsets und nehme mir dann die Zeit, eine Show-Datei zu erstellen. Sprechen Sie mit dem Musikdirektor und fragen Sie ihn nach seiner Vision für die Show und wie sie klingen soll. Wenn möglich, fragen Sie auch den Künstler. Wenn Sie mehr als nur die Input-Liste im Voraus besprechen, sind Sie gut vorbereitet. Während die Band spielt, müssen Sie keine Beschriftungen vornehmen oder Routen festlegen. Sie können sich ganz auf das Zuhören konzentrieren und müssen nicht mit gesenktem Kopf arbeiten.“
Die Kunst, den wichtigsten Ohren zuzuhören: Überprüfen Sie Ihr Ego
Eine weitere wichtige Erkenntnis für James ist nicht technischer, sondern sozialer Natur und betrifft das Feedback. „Vielleicht ist es der Manager oder Assistent des Künstlers. Jemand, der sich besser mit Excel als mit Audio auskennt. Oder jemand aus dem weiteren Umfeld der Band. Unser Publikum besteht nicht aus 15.000 Berkeley-Absolvent*innen. Es sind normale Menschen, die die Musik ihrer Lieblingsband aus Playlists kennen und immer wieder hören.
Überprüfen Sie Ihr Ego. Fragen Sie sich selbst: Was versuchen sie durch ihre Beschwerden oder Kommentare zu vermitteln? Pause. Vielleicht haben sie Recht. Hören Sie sich den Song noch einmal an.“ Auch wenn sich nichts ändert: „Sie sehen dich als jemanden, der zuhört. Audio-Leute haben den Ruf, eine bestimmte Einstellung zu haben. Zuhören, ohne ein böses Gesicht zu machen oder zu widersprechen, bringt mehr Pluspunkte als das perfekte Timing des Vocal Delays in diesem einen Refrain. Das kann schwierig sein, aber ich verspreche Ihnen: Es lohnt sich!“
Budgetbezogen: Behandeln Sie jeden Gig wie das wichtigste Ereignis. Immer.
Die Entwicklung eines individuellen Stils in anderen Bereichen als dem Mischen ist für James entscheidend, insbesondere wenn es um Exzellenz geht: „Ich habe die Gewohnheit, jeden Auftritt wie eine ausverkaufte Arena-Show zu behandeln. Ich möchte bei jeder Show das bestmögliche Erlebnis bieten, egal ob es sich um eine ausverkaufte Arena oder eine private Show in einer Scheune für einen CEO aus dem Silicon Valley handelt. Ich möchte, dass die Künstler das Gefühl haben, dass es auf jeden Fall das Beste wird, was möglich ist. Künstler gewöhnen sich daran. Künstler mögen auch Exzellenz, sie spüren, wenn man sein Bestes gibt und wenn man voll dabei ist. Jeder kann Fader bedienen. Unsere Kunst ist mehr als das Drücken von Knöpfen und Bedienen von Fadern. Wir sind hier, um den Leuten, die uns engagieren, Vertrauen zu vermitteln und den Fans ein unvergessliches Erlebnis zu bieten.“
Über die nicht-nerdige, nicht-technische Seite
Rückblickend lacht James: „Es ist verrückt, dass eine kleine Kirche in Dallas – ein Abend des Gebets, an dem ich mich mit einem Gitarristen angefreundet habe, weil ich seinen Ton liebte – alles in Gang gesetzt hat. Er war zufällig der Gitarrist von Frank Ocean und empfahl mich Franks Produzenten Malay. Die Verbindungen sind so wichtig, aber man muss auch die Fähigkeiten und die Leistung haben, wenn der Anruf kommt. Abgesehen von Zufällen unterscheidet sich eine weitere Wahrheit in unserer Branche nicht so sehr von anderen: Beziehungen sind der Schlüssel zum Erfolg. Man weiß nie.“
James Butera arbeitet als FOH-Ingenieur und Produktionsleiter. Derzeit mixt er Halsey und Alex Warren sowie Masego und Lizzy McAlpine.
